La ceramista turca Leyla Borovali da forma a la herencia del Egeo en arcilla.

PORT ALACATI, TURQUÍA — El estudio de Leyla Borovali, un balcón que literalmente se asoma al mar Egeo , parece suspendido entre el cielo y el agua. La enorme mesa, las estanterías repletas de cuencos, los terrones de arcilla: todo está envuelto en el inmenso azul, interrumpido solo por un olivo que se inclina hacia la vista. La artista, también vestida de azul, sostiene higos maduros cuya redondez recuerda la forma de sus creaciones.

A su alrededor se encuentran vasijas cuyos cuerpos se hinchan y se curvan, con bordes que se elevan y descienden en lugar de seguir un círculo. Algunas conservan la impronta de los textiles, traduciendo los tejidos del Egeo al lenguaje más rígido de la cerámica. Otras parecen casi geológicas, con superficies marcadas por el fuego, los óxidos y las contingencias del horno.

A sus 28 años, esta artista nacida en Izmir ya ha recorrido un largo camino con la arcilla. Estudió ilustración y grabado en la Parsons School of Design de Nueva York antes de dedicarse a la cerámica, y posteriormente obtuvo una maestría en cerámica y vidrio en el Royal College of Art de Londres. En julio, Architectural Digest Middle East la incluyó entre los "11 artistas de Turquía que debes conocer", destacando su reinterpretación de las tradiciones textiles turcas y mediterráneas en arcilla.

Colores de la tierra

Su obra ha evolucionado con el paso del tiempo. En Barcelona, recién salida de la escuela de arte, se inclinó por los naranjas y azules más brillantes. Su regreso a Turquía transformó su paleta. La tierra, el fuego y los tonos elementales cobraron protagonismo. En lugar de recurrir a pigmentos químicos, se interesó por las marcas que deja el fuego y por los materiales que atesoran su propia historia. Su familia tiene una larga tradición agrícola. "¿Dónde nací, de dónde vengo, qué me define?" son preguntas que incorpora cada vez con mayor frecuencia a su obra.

El mar Egeo impulsó aún más esta tendencia. La sal que transporta el viento modifica la textura de la arcilla, otorgando a las piezas elaboradas aquí una superficie distinta a las anteriores. «Incluso el yodo que trae el viento del norte penetra directamente en la arcilla», explicó a Al-Monitor. La luz natural es tan importante que evita trabajar de noche.

Un cuenco anterior, fabricado en Londres, tiene un aire contenido y urbano; uno producido aquí es más libre. «Cuando vives en medio del mar, en algo parecido a una cueva, todo lo que creas se vuelve completamente orgánico», dijo.

Las ceramistas turcas

Su trayectoria en la cerámica pasa por el maestro de Izmir Mehmet Tuzum Kizilcan, cuyas formas austeras combinan la sobriedad de la Bauhaus con la alquimia de la cocción en saggar. Kizilcan comenzó a trabajar con arcilla en 1959, en el taller de Fureya Koral en Estambul.

Aunque los hombres han estado presentes en el sector cerámico turco, ha sido un ámbito predominantemente femenino: Koral, la primera artista ceramista moderna de Turquía, abrió un estudio a mediados de los años 50, incorporando una técnica asociada a las paredes de las mezquitas al lenguaje del arte contemporáneo. Otra gran artista, Alev Ebuzziya Siesbye , pasó por este estudio entre 1956 y 1958, describiéndolo posteriormente como el lugar donde, para ella, un estudio se convirtió por primera vez en un espacio para inventar en lugar de reproducir.

Jale Yilmabasar, la primera mujer catedrática de cerámica de Turquía, cubrió edificios públicos con paneles arquitectónicos de gallos, ojos y figuras hititas. Candeger Furtun, otra pionera, dispuso hileras de piernas masculinas cercenadas , con una mano apoyada en un muslo, y centró su obra en la forma en que los hombres ocupan el espacio público. Elif Uras , que trabaja entre Nueva York, Estambul e Iznik, ha enriquecido el vocabulario de la cerámica otomana con cuerpos femeninos y el trabajo de las mujeres.

Esto supuso un cambio radical: los azulejos de Iznik del siglo XVI eran fabricados por hombres para espacios a los que las mujeres no podían acceder, y actualmente la industria allí está dirigida en gran medida por mujeres.

Para un artista joven, el talento y las referencias no son lo mismo que un ecosistema. Borovali reconoce que Turquía no es el primer lugar al que recurren los mercados artísticos internacionales en busca de un centro creativo. Sin embargo, el país ofrece «una fuente inagotable de inspiración», con tradiciones lo suficientemente arraigadas como para que los jóvenes artistas construyan sus propias historias.

El ecosistema se está fortaleciendo, según ella. Las redes sociales han ampliado redes que antes se limitaban a círculos más pequeños, mientras que las galerías, las ferias y las iniciativas independientes ofrecen nuevos puntos de acceso. «Aquí se puede crear algo muy original», afirma. «Quizás simplemente haya que esforzarse un poco más para darse a conocer, pero las redes sociales han cambiado mucho».

Una herencia estética

Borovali creció en una familia donde la estética impregnaba la vida cotidiana. Su bisabuela, aunque analfabeta, pintaba maravillosamente. Sus abuelos coleccionaban alfombras; su padre empezó a comprar cuadros en su adolescencia. Su abuela consideraba la puesta de la mesa como una composición.

La artista más conocida de la familia es su tía, Feleksan Onar , una emprendedora que se dedicó al vidrio a finales de sus treinta. "Perched", una bandada de 41 golondrinas de vidrio soplado con alas recortadas, creadas en respuesta a la crisis de los refugiados sirios, se exhibió en el Museo Victoria y Alberto de Londres desde junio de 2018 hasta abril de 2019; siete de ellas pasaron a formar parte de su colección permanente.

La historia del arte turco conoce bien este tipo de familias: la de Koral, la de Shakir Pasha, produjo pintores, escritores y suficientes escándalos como para dar pie a una serie de televisión en horario estelar un siglo después. La familia de Borovali transmitió el mismo instinto para la belleza, pero sin rastro de mitología.

En tono de broma, dice que, aunque pertenece a una familia que prosperó gracias al arte y la estética, ella es la "primera artista con un diploma".

La herencia no es solo una cuestión biográfica, afirma. Es también un legado de mujeres. Por ahora, su obra es menos abiertamente política que la de autoras más veteranas como Uras y Furtun. Sus propias descripciones enfatizan las historias personales que encierran los motivos de la pasión y la resiliencia.

A principios de noviembre, Borovali inaugurará su primera exposición individual en Offgrid Art Project en Estambul, tras una colaboración con la fundadora de Offgrid, Ipek Eyuboglu, y la fundadora de Otmas Uras, Eda Uras, que comenzó en torno a CI Bloom en abril. Ella lo describe más como una amistad entre mujeres que buscan apoyarse mutuamente que como un simple encuentro artístico.

Antes de eso, presenta un proyecto relacionado con Capadocia, Turquía, y su planta emblemática, el cehri, una planta tintórea espinosa de Anatolia también conocida como Rhamnus petiolaris, cuyas bayas han producido durante mucho tiempo el amarillo de alfombras y kilims. Está diseñando un recipiente inspirado en la planta, que se combinará con una vela perfumada con cehri, junto con otras seis provenientes de la región. La planta no puede proporcionar el pigmento: su color se evapora a las temperaturas del horno. Está intentando recuperar el amarillo en la arcilla.

Es un problema muy propio de Borovali: cómo tomar algo heredado, frágil y arraigado en el paisaje, y darle otra forma.